Poupées, chants de baleines et baignade dans l’urine : les pavillons à voir à la Biennale de Venise

Aucune Biennale de Venise n’a jamais été apolitique, mais les affaires internationales ont déjà profondément marqué l’édition de cette année. Une semaine après l’ouverture de la 61e exposition internationale d’art, des manifestations ont visé la participation de la Russie et d’Israël, des pavillons ont fermé et des menaces de suspension de financements ont été brandies.

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L’atmosphère tranche radicalement avec la vision de la commissaire, décédée, résumée par le thème « In Minor Keys ». Koyo Kouoh voulait détourner la manifestation de « l’anxieuse cacophonie du chaos actuel qui ravage le monde » pour privilégier des tonalités plus douces d’émotion, de lien et d’ancrage.

Malgré les manifestations très médiatisées, ce sont les pavillons et expositions qui entrent en résonance avec les valeurs centrales de Kouoh – le soin, l’intimité et la réflexion – qui s’imposent discrètement comme les temps forts de cette édition. Elles sont peut‑être moins tape‑à‑l’œil (à l’exception d’une, au sens propre du terme), mais ce sont elles qui devraient continuer à attirer les visiteurs pendant toute la durée de la Biennale, quelles que soient les gesticulations politiques alentour.

Un acte collectif de soin au pavillon du Japon

Lorsque l’on s’approche du pavillon du Japon, à l’ombre des arbres des Giardini, on voit d’autres visiteurs qui déambulent en serrant des poupées-bébés dans leurs bras. Les sourires fusent, on rit, on échange des plaisanteries entre inconnus – des émotions que l’on n’associe pas forcément à la visite d’une exposition d’art contemporain.

Grass Babies, Moon Babies, de l’artiste queer nippo-américain Ei Arakawa-Nash, offre l’une des interprétations les plus subtilement profondes du thème curatorial de Kouoh.

À l’entrée, les visiteurs sont invités à porter l’une des 57 poupées – en grenouillères aux motifs flashy et lunettes de soleil – à travers les pilotis, les jardins et les espaces intérieurs du pavillon. Ce faisant, ils participent à un acte de soin collectif, avec la possibilité de changer les couches des poupées et d’activer un QR code qui fait apparaître un « poème de couche » fondé sur la date de naissance attribuée à chaque bébé.

Kouoh, décédée en mai 2025, souhaitait que l’édition de cette année privilégie la lenteur et les sensations. L’installation d’Arakawa-Nash invite le public à s’engager physiquement et émotionnellement dans un geste profondément humain et intime : y prendre part suscite non seulement de la joie, mais aussi, potentiellement, de la nostalgie, un sentiment de responsabilité ou de deuil.

Ce faisant, elle nous oblige à affronter des questions sociales fondamentales liées à l’éducation des enfants dans un avenir incertain. Comme l’écrivent les commissaires, le pavillon pose la question suivante : « Comment célébrer une nouvelle génération de bébés alors que nous, en tant qu’adultes en charge d’eux, poursuivons le travail inachevé de réparation et d’amendements qui façonne le monde dans lequel ils arrivent ? »

Le son de l’art aux pavillons polonais et du Saint-Siège

Le thème mélodique de Kouoh a inspiré une profusion de propositions sonores dans les pavillons de cette année. Elles évoquent les tonalités mineures au sens propre comme au figuré, invitant les visiteurs à appréhender l’art par un autre sens et à réfléchir aux « basses fréquences » de la société : celles des personnes marginalisées ou invisibilisées.

Dans l’installation audio et vidéo Liquid Tongues du pavillon polonais, Bogna Burska et Daniel Kotowski explorent des modes de communication privés de pouvoir.

L’atmosphère est envoûtante : de gigantesques écrans – dont l’un fixé au plafond, que l’on regarde allongé sur un large banc capitonné – diffusent une performance du Choir in Motion réunissant chanteurs entendants et sourds qui chantent et signent en langue des signes internationale.

L’espace résonne de sons inspirés des chants de baleines, une « voix inaudible » à l’image de celle de la communauté sourde. Le projet met en lumière les efforts pour se réapproprier des langues reléguées par les voix dominantes, comme le Hand Talk, la langue des signes des Indiens des Plaines, utilisée à la fois par les Autochtones entendants et sourds en Amérique du Nord.

Comme le résument les commissaires : « Fondé sur l’idée de Deaf Gain, le projet ne considère pas la surdité comme un handicap. La plupart des images ont été tournées dans l’eau. Les personnes sourdes peuvent y signer librement, alors que les entendants ne peuvent qu’y produire des sons étouffés. »

L’exposition The Ear is the Eye of the Soul, au pavillon du Saint-Siège, fait écho à « l’archipel d’oasis » imaginé par Kouoh dans l’exposition principale, conçues comme des espaces chargés de mémoire et d’émotions, au cœur de l’univers de grands artistes.

Dans le cas du Giardino Mistico, un jardin de couvent de l’ordre des Carmélites déchaussées, les visiteurs sont invités à se mettre à l’écoute d’un registre plus discret. Après avoir enfilé des écouteurs ouverts qui laissent l’oreille libre, on déambule en silence dans le jardin, où l’on découvre une série de créations sonores commandées à des musiciens expérimentaux, inspirées des chants et des visions de sainte Hildegarde de Bingen, figure du XIIe siècle.

Dans un monde cacophonique lancé dans une course effrénée à la nouveauté et à l’innovation, ce geste rétrospectif et introspectif – marcher et écouter – a presque des allures d’acte radical.

Un parc marin d’eaux usées au pavillon autrichien

S’il est une réalité que l’on pourrait aujourd’hui décrire comme jouant en mode mineur, c’est bien la ville de Venise elle-même. Son sort mélancolique est au cœur de ce qui est en train de devenir l’un des pavillons dont on parle le plus à la Biennale cette année, celui de l’Autriche.

Intitulée Seaworld Venice, l’installation oscille entre parc d’attractions sous-marin et station d’épuration : une vision sans détour de l’avenir de la ville dans les scénarios les plus sombres du changement climatique.

L’installation performative permanente de la chorégraphe et artiste autrichienne Florentina Holzinger met en scène une pilote de jet-ski nue qui tourne en rond, clin d’œil aux problèmes de Venise avec le trafic maritime excessif, ainsi qu’une autre performeuse nue dans un bassin d’eau alimenté par l’urine filtrée des visiteurs, collectée dans des toilettes mobiles attenantes.

Le projet rend tangible, pour les visiteurs, l’impact individuel qu’ils ont sur Venise et sur la fragilité écologique du monde.

Comme l’explique la commissaire Nora-Swantje Almes, « Holzinger donne à voir la complicité de l’humanité dans l’effondrement des systèmes, remet en cause les structures établies et l’ordre apparent des choses – et révèle que cet ordre est, par nature, instable. »